I Followed You to the End (2024)

De renaissance binnenplaats van Palazzo Strozzi wordt gedomineerd door de monumentale bronzen sculptuur I Followed You To the End (2024).

Tracey Emin's bronzen sculpturen, gegoten van sterk gemodelleerde maquettes van klei, zetten de naakttraditie en de associaties met een voyeuristische mannelijke blik op zijn kop. De tactiele, bijna abstracte vrouwelijke vormen van haar sculpturen, vaak afgebeeld in buik- of lighoudingen, zijn erotisch en weerloos, maar altijd subjectief en hebben betrekking op het eigen lichaam en de fysieke zelf van de kunstenaar.

Tracey Emin, I Followed You to the End (2024), courtyard Palazzo Strozzi, Florence
[Tracey Emin. Sex and Solitude, Palazzo Strozzi, Florence. Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio © Tracey Emin. All rights reserved, DACS 2025]

Tracey Emin, I Followed You To The End (Ti ho seguito fino alla fine), (2024), courtyard Palazzo Strozzi, Firenze [2]
. [Tracey Emin. Sex and Solitude (Sesso e solitudine), Palazzo Strozzi, Firenze [Photo Ela Bialkowska, OKNO Studio © Tracey Emin. All rights reserved, DACS 2025]

Tracey Emin, Sex and Solitude, ehibition views Palazzo Strozzi room 1, Firenze, 2025. [Photo Ela Bialkowska,
OKNO Studio © Tracey Emin. All rights reserved, DACS 2025]

De kunst van Tracey Emin, die put uit persoonlijke herinneringen en ervaringen, verkent alle nuances van seks en verlangen en transformeert ze in een rauw en suggestief verhaal dat de diepste erotische sensaties probeert vast te leggen. In de schilderijen die in deze kamer worden getoond, There was no Right way (2022) en Everything is moving nothing Feels Safe. You made me Feel like This (2018), verstrengelen liefde en verlangen zich met een gevoel van grote kwetsbaarheid.

Exorcism of the last painting I ever made (1996) zaal 2

De toe-eigening van het vrouwelijk lichaam komt naar voren in talrijke werken in de tentoonstelling, waaronder Exorcism of the last painting I ever made (1996), een installatie die voor het eerst in Italië wordt gepresenteerd en die de historische performance documenteert die Emin's terugkeer naar de schilderkunst markeerde na jaren van onderbreking. Een kamer in het Palazzo Strozzi reconstrueert de tijdelijke studio waarin de kunstenares drieëneenhalve week naakt voor het publiek leefde en werkte, waarbij ze tekeningen en schilderijen maakte die geïnspireerd waren op mannelijke kunstenaars als Egon Schiele, Yves Klein en Pablo Picasso. Door zowel onderwerp als object van haar kunst te worden, voert Emin een soort artistiek exorcisme uit en ondermijnt ze de rol van de vrouw: niet langer slechts een model, maar een actieve protagonist.

Tracey Emin, Exorcism of the last painting I ever made (Esorcismo dell’ultimo dipinto che abbia mai fatto), 1996, performance / installazione, Palazzo Strozzi, Tracey Emin. Sex and solitude, 2025
[Tracey Emin, Exorcism of the last painting I ever made (1996; performance/installation, room dimensions 350 × 430 × 430 cm). Courtesy of Schroeder Collection and Faurschou Collection © Tracey Emin. All rights reserved, DACS 2025]

De schilderijen en tekeningen die Emin tijdens de performance maakte, verwijzen naar en eigenen zich werken toe van mannelijke kunstenaars Egon Schiele, Edvard Munch, Pablo Picasso en Yves Klein. Historisch gezien hebben vrouwen altijd toegang gehad tot het kunstenaarsatelier als model, niet als kunstenaar. De representatie van vrouwen is een mannelijke aangelegenheid, waarbij het vrouwelijk naakt opvalt als het meest uitgesproken voorbeeld van de objectivering van het vrouwelijk lichaam.
Het is de eerste keer dat dit baanbrekende kunstwerk wordt tentoongesteld in Italië.

Exorcism of the Last Painting I Ever Made is een belangrijk werk en de voorloper van een reeks werken waarin Emin haar eigen leven, trauma's en emoties gebruikt als expressiemiddel. Het meest bekende werk is My Bed (1998). In dit werk positioneert Emin zichzelf in de dubbelrol van zowel model als kunstenaar en daagt ze de universele acceptatie van vrouwen als objecten van de mannelijke blik uit.

Tracey Emin documenteerde deze performance in de fotoserie The Life Model Goes Mad, waarin ze de rol van het model in haar eigen studio op zich neemt en de vrouwelijke identiteit en seksualiteit terugvordert.

In het hart van de tentoonstelling fungeert schilderen als een centraal expressief medium voor Emin, waarbij elk doek een veld van emotionele spanningen creëert, gekenmerkt door een sterke materialiteit, zoals te zien is in werken als Hurt Heart (2015), It was all too Much (2018), It - didn't stop - I didn't stop (2019), There was blood (2022), Not Fuckable (2024), en I waited so Long (2022), waarin de kunstenaar instinctief te werk gaat en vormen laat ontstaan, balancerend tussen figuratie en abstractie. De lagen kleur en de sporen die het schilderij achterlaat, behouden de sporen van het creatieve proces, met zichtbare doorhalingen en revisies. Snelle penseelstreken en verfdruppels geven het doek een levendige, onstabiele intensiteit, die het gepassioneerde karakter van de werken versterkt en tegelijkertijd gevoelens van kwetsbaarheid en opgeschorte herinnering overbrengt [2].

Tracey Emin. Sex and Solitude, Palazzo Strozzi, Firenze [Exhibition view room 3, with Not Fuckable 2024, There was blood, (2022), and the bronze Coming Down From Love (2024)]
. [Photo Ela Bialkowska, OKNO Studio © Tracey Emin. All rights reserved, DACS 2025]

Liefde is een centraal thema in het werk van Tracey Emin, en zij onderzocht de liefde in al haar facetten, van verlangen en wellust, de romantiek en de pijn ie er onlosmakelijk mee verbonden zijn, zoals te zien is in borduurwerken als I don't need to see you I can feel you! (2016) en No Distance (2016).Een soortgelijke intensiteit dringt door in haar bronzen sculpturen met zilvernitraatpatina, zoals Coming Down From Love (2024) en In my defence - I thought of only you (2017). Taal speelt een fundamentele rol in Emin's praktijk, zowel in titels als in de werken zelf [2].

Those who Suffer LOVE (2009) zaal 8

Those who Suffer LOVE (2009) is een neontekst die reflecteert op liefde en lijden. Zoals Emin uitlegt, “liefde komt zelden gemakkelijk, en als het komt, vervaagt het meestal snel”. Haar neonwerken onderzoeken niet alleen de liefde tussen individuen, maar roepen universele omstandigheden op: haar handschrift legt gedachten vast en transformeert ze in aforismen, waardoor intieme ervaringen een collectieve dimensie krijgen.

Het woord speelt een centrale rol in al het artistieke werk van Tracey Emin. Het woord als boodschap, of een metaboodschap. Maar haar gebruik van woorden als centraal onderdeel van haar kunst staat ver af van conceptuele kunst en veel dichter bij de manier waarop woorden werden gebruikt door dadaïstische kunstenaars zoals Francis Picabia, en in het bijzonder door Marcel Duchamp.

Tracey Emin, Those who Suffer LOVE (2009), neon, 57 × 209.3 cm, exhibition copy[2]
Courtesy of the Artist and White Cube © Tracey Emin. All rights reserved, DACS 2025. Photo © Stephen White. Courtesy White Cube [Tracey Emin. Sex and Solitude, Palazzo Strozzi, Florence]

Dezelfde titel, Those who suffer love, hoort ook bij een animatiefilm (2009) die is samengesteld uit 150 individuele monotypes. Centraal in de video staat een vrouwenfiguur met gespreide benen, zonder gezicht en niet identificeerbaar, die zich niet voegt naar de verlangens van anderen maar haar eigen onafhankelijkheid laat gelden.
Dit soort beelden, een terugkerend motief in haar kunst, vindt weinig precedenten in de kunstgeschiedenis - altijd in werken van mannen als Gustave Courbet of Egon Schiele. Door deze pose van L’Origine du Monde te heroveren, onttrekt Emin haar aan de mannelijke blik en geeft ze hem een rauwe en directe expressieve kracht.
Those who suffer love is niet alleen een reflectie op de autonomie van vrouwen en de uitdrukking van verlangen, maar ook een kritiek op de manier waarop de kunstgeschiedenis en de maatschappij vrouwelijke seksualiteit hebben gekaderd en beperkt[3].
Ook in haar tekeningen onderzoekt Emin nadrukkelijk de grens tussen privé en publiek. Tekenen, intiem en persoonlijk, wordt een publieke verklaring, waardoor een privémoment verandert in een gedeelde expressie die noties van bescheidenheid, zelfbeschikking en verlangen uitdaagt.

Thriving on Solitude, 2020

In 2020, tijdens een periode die gekenmerkt werd door het isolement als gevolg van de COVID-19 pandemie, maakte Tracey Emin een serie kleine schilderijen in haar huis in Londen. Ze transformeerde haar huiselijke ruimte in een toevluchtsoord voor herinneringen terwijl ze zich voorbereidde om het huis na twintig jaar te verlaten. Deze kleine werken roepen spookachtige figuren op in schaarse interieurs, weergegeven in een palet van zacht blauw en grijs.
My Mum's Ashes - In The Ashes Room weerspiegelt het verlies van haar moeder, wiens aanwezigheid in de ruimte aanwezig blijft door de urn die haar overblijfselen bevat. Schilderen wordt zo een ruimte voor het confronteren van pijn, maar ook voor verzoening met herinnering en tijd. Eenzaamheid is geen leegte maar een voorwaarde voor introspectie en groei. Thriving on Solitude suggereert precies dit idee van eenzaamheid als een kans voor vernieuwing.

Sommige schilderijen lijken een voorbode te zijn van een gevoel van onbehagen. A Message From The Gods in Advance - December 2019 bevat raadselachtige woorden die werken als een gebed: “You have gone now / I wanted you / I almost told you / I needed to tell you / But why would I / How could I”. 5 Hours and 5 Hours Long - With you in my mind roepen de tijd op die ze doorbracht aan de telefoon in bad met een man van wie ze op dat moment zielsveel hield[3].

Voor Emin zou er zonder schrijven geen kunst zijn. Woorden maken integraal deel uit van haar werk: handgeschreven manuscripten, lezingen van zelfgeschreven teksten, de eenvoudige zinnen (met behoud van al hun grammaticale en orthografische fouten, opzettelijk of niet), eenzelfde zin overgebracht in een monotype, of tot kunst gemaakt in de materialiteit van een neonbuis of in een appliqué, woorden en zinnen genaaid op dekens.

The Crucifixion (2022)

Tracey Emin. Sex and Solitude, Palazzo Strozzi, Firenze [Exhibition view Room 8, with The Crucifixion (2022), The Decent (2016), Take my soul (2011), Automatic Orgasm (2001), and some bronzes with white patina]

De christelijke iconografie is een inspiratiebron voor Emin sinds haar tijd aan het Royal College of Art, toen ze de National Gallery bezocht om altaarstukken, iconen en religieuze beelden te bestuderen. Een van de schilderijen in deze zaal toont de kruisiging, niet zozeer benaderd vanwege de religieuze betekenis als wel vanwege een reflectie op sacrificatio, opoffering, of beter gezegd, haar opofferingen, als vrouw en als kunstenaar in een door mannen gedomineerde omgeving. 
De Kruisiging komt ook terug in het monumentale appliqué werk Automatic Orgasm (2001).

Emin heeft zelf het belang van schrijven voor haar kunst onderstreept: "Ik denk niet dat ik visueel de beste kunstenaar ter wereld ben, toch? (...) Maar als het op woorden aankomt, heb ik een uniekheid die ik bijna onmogelijk vind in termen van kunst - en het zijn mijn woorden die mijn kunst eigenlijk heel uniek maken" [8]. Door het schrijven zo'n prominent onderdeel van haar werk te laten zijn, doet Emin de traditionele grenzen tussen literatuur en beeldende kunst vervagen" [9]. Misschien wordt deze fusie tussen literatuur en beeldende kunst het best geïllustreerd in appliqué dekens, zoals Love Poem (1996) en, het eerder genoemde, Automatic Orgasm (Come Unto Me), en I Do Not Expect (2002), naast vele andere [6].

Automatic Orgasm (Come Unto Me), (2001)

Een bijzonder werk in de tentoonstelling dat een expliciete analogie trekt tussen seks en spiritualiteit is het appliqué werk Automatic Orgasm waarin Emin de woorden 'Come unto me' over een afbeelding van een kruis heeft genaaid.
Tracey Emin: 'Kom tot mij' was wat Jezus zei, en het is ook zoiets als het idee van komen, nietwaar? Kom op mij, kom in mij, kom mij zijn, deel mij, eet mij, drink mij. Ik ben niet religieus, maar volgens mij stierf Jezus aan het kruis om zijn liefde over te dragen. En wanneer het bedrijven van de liefde echt geweldig is, net als geestverruimend, buitengewoon fantastisch, heb ik altijd gedacht dat je dan een soort van je verstand verliest. Ik heb eens gezegd: 'Ik voel me alsof ik gekruisigd word. En toen dacht ik: 'Nee, ik heb het gevoel dat ik het kruis ben. Dat is waar die deken over gaat [7].

Come unto me

Every time I feel love I think Christ I’m going to be crucified.

So I close my eyes and become the cross.

So beautiful.

Tracey Emin. Sex and solitude, Palazzo Strozzi, Firenze, Exhibition view Room 9 with You Should have Saved me (2023), the monumental bronze All I want is you (2016), and I Longed For You (2019), a large-scale neon that transforms a thought into a luminous visual poem
[Photo ©Ela Bialkowska, OKNO Studio. Courtesy Fondazione Palazzo Strozzi, Firenze] [Tracey Emin. Sex and Solitude, Palazzo Strozzi, Florence]

Verlangen is de kern van I Longed For You (2019), een grootschalige neon die een gedachte transformeert in een lichtgevend visueel gedicht. De titel, roept een gevoel op dat zo intens is dat het ondraaglijk lijkt, “I longed for you. Ik wilde je / De enige plek waar je naar me toe kwam / was in mijn slaap. / Te ver voor mij om aan te raken / met de tijd verdwijn je langzaam. / De afstand van je hart.”
All I want is you (2016), een van Emin's eerste monumentale sculpturen, gemaakt na de dood van haar moeder, behandelt thema's als verlies, liefde en vrouwelijke kracht. Deze sculptuur breidt Emin's artistieke taal uit en weerspiegelt haar vermogen om tweedimensionale ideeën te vertalen naar de ruimte. Het brons is gegoten uit een kleimal die rechtstreeks door de kunstenaar is gevormd. Het lijkt een uitvergrote schets in klei, elk oppervlak draagt de sporen van haar handen en vingerafdrukken.
Het resultaat is een krachtige vrouwenfiguur, met een rotsachtige massa achter haar torso - los van het lichaam - die geïnterpreteerd kan worden als een herinnering, iets verloren dat, hoewel ver weg, verbonden blijft.
Ook in You Should have Saved me (2023), een schilderij dat doet denken aan de litho's van Edvard Munch, blijft de kunstenaar de wisselwerking tussen eenzaamheid en verlangen verbeelden.[3]

The End of the Day (2016)

De tentoonstelling eindigt met een selectie werken die in 2022 zijn gemaakt, na Emin's kankeroperatie in 2020. Ze keert terug naar de prentkunst - een techniek die ze studeerde aan het Maidstone College of Art - en gebruikt gezeefdrukte monotypes [3].

Exhibition view Tracey Emin. Sex and solitude, Palazzo Strozzi, Firenze. Exhibition view Room 10, with It Never Felt like This (2022), My Halo Was The moon (2022) and the bronze This is exactly how I feel right now (2016)
[Photo ©Ela Bialkowska, OKNO Studio. Courtesy Fondazione Palazzo Strozzi, Firenze] [Tracey Emin. Sex and Solitude, Palazzo Strozzi, Florence]

Deze grootschalige werken verkennen het trauma van een operatie en het genezingsproces, met contrasten van wit en diepe blauw-, grijs- en zwarttinten die doen denken aan Goya en Manet. Ondanks hun donkere tinten vieren ze het leven en persoonlijke expressie.
De kunstenaar confronteert haar getransformeerde lichaam, zoals te zien is in It Never Felt like this. Het herscheppen van haar eigen beeltenis wordt een daad van revolutie: ondanks de vooruitgang van het feminisme blijft het vrouwelijk naakt gebonden aan de mannelijke blik. Emin ondermijnt deze zonder compromissen. Haar figuren - intrigerend en toch gespannen en verwrongen - drukken zowel pijn als vrijheid uit: een vrouw die zichzelf portretteert zonder opsmuk. In Like The moon, You Rolled across my back weegt de maan - symbool van vrouwelijkheid - op Emin als de hemel op Atlas.

Tracey Emin

Tracey Emin werd in 1963 geboren in Croydon, Londen, en groeide op in de badplaats Margate. Haar werk omvat tekeningen, schilderijen, wandtapijten, borduurwerk, film, bronzen beelden en neonwerken. De kunstenares baseert haar werk op haar eigen leven en verwijst naar diep intieme ervaringen, van haar seksuele geschiedenis, misbruik en abortus tot geslacht, relaties en, recentelijk, haar kanker en handicap.

In 1999 trok ze veel publiciteit toen ze genomineerd werd voor de Turner Prize en My Bed tentoonstelde in de Tate Gallery in Londen. Het werk, dat het jaar daarvoor was gemaakt als gevolg van een periode van ernstige emotionele beroering, toont het onopgemaakte bed van de kunstenares zelf, omringd door persoonlijke voorwerpen en ander afval, zoals condooms, ondergoed met bloedvlekken, een tube K-Y Jelly, lege flessen alcohol, afgedragen panty’s of gebruikte tampons. Vanaf dat moment bleef de carrière van Emin groeien: in 2007 vertegenwoordigde ze Groot-Brittannië op de 52e Biënnale van Venetië, in 2011 werd ze benoemd tot Professor of Drawing van de Royal Academy, een van de eerste twee vrouwelijke professoren in de geschiedenis van het instituut.

Vandaag geniet Emin internationale erkenning. Onlangs opende ze de Tracey Karima Emin (TKE) Studios in Margate, een professionele kunstenaarsstudio voor jonge kunstenaars die volledig door haar wordt gesubsidieerd, met een aanvullend gratis kunstschoolprogramma dat Tracey Emin Artist Residency (TEAR) heet.
In 2024 werd ze geëerd met een Damehood in de King's Birthday Honours voor haar diensten aan de kunst [3].